Cómo quitar el fondo blanco de una imagen en Photoshop

Muchas imágenes en Internet (especialmente las que están en formato PNG) tienen un fondo blanco en lugar de transparente. Con Photoshop se puede eliminar fácilmente ese fondo.

Una vez abierta la imagen seleccionamos la herramienta "Varita mágica", ajustamos la tolerancia para darle un rango más grande o más pequeño de color de selección, comprobamos que estén marcadas las opciones "Suavizar" y "Continua" y hacemos clic en el fondo. En el caso de que no se seleccione entero hacemos clic en otra zona mientras mantenemos "Mayus" para añadirla a la selección

Vamos a "Selección > Invertir" para seleccionar el objeto en lugar del fondo.

Si la selección no ha quedado del todo bien, hacemos clic en "Perfeccionar bor." y ajustamos un poco los parámetros hasta mejorarla.

En la zona inferior de la ventana de capas hacemos clic en el icono "Añadir máscara de capa".

Tener una máscara de capa en lugar de borrar el fondo nos permite hacer ajustes en los bordes del objeto seleccionando la máscara y pintando sobre ella con negro (ocultar) y blanco (mostrar).

Finalmente, para poder guardarla como una imagen con transparencia necesitamos guardarla en formato PNG (u otro que tenga canal alfa).

Cómo utilizar la herramienta Hueso en Adobe Animate

En Adobe Animate la herramienta hueso sirve para formar Esqueletos, que sirven para animar formas o conjuntos de símbolos de forma sencilla (aunque bastante limitada en algunos aspectos).

En rellenos

Para utilizar la herramienta hueso en formas haremos clic en el que queramos que sea su punto central y arrastraremos hasta donde queramos que tenga el primer (cosa que gira) y nos creara una nueva capa de Esqueleto. En donde termina el primer hueso se traza el siguiente y así sucesivamente hasta llegar al ultimo hueso.

En la barra de tiempo podemos incuir poses que animate interpolará automaticamente.

 

 

En símbolos

Los huesos con símbolos funcionan de forma diferente a los rellenos. Para usarla trazamos el primer hueso desde el que queramos que sea el símbolo principal hasta otro símbolo. Un hueso puede unir un símbolo con muchos otros, pero no pueden unirse varios huesos a un mismo símbolo.

En la barra de tiempo podemos incuir poses que animate interpolará automaticamente.

Cómo hacer una rotoscopia en Adobe Animate

Una rotoscopia es un método de animación que consiste en calcar los fotogramas de un vídeo. Se utiliza para conseguir movimientos más realistas.

Para hacer una rotoscopia en Adobe Animate necesitamos importar un vídeo. Para poder trabajar con un vídeo visualizándolo en la barra de tiempo necesitamos convertirlo a formato FLV, para ello podemos usar esta página.

        

Importamos el vídeo, seleccionamos la segunda opción y lo arrastramos a la barra de tiempo.

 

Hacemos clic derecho en la capa en la que está y ajustamos la opacidad si es necesario a una que nos sea cómoda para calcar o escogemos un color que resalte respecto a la imagen (Si la imagen es muy oscura utilizar blanco, si es principalmente verde utilizar rojo, etc.)

En una capa superior calcamos los bordes del personaje o el objeto haciendo un esbozo, desplazándonos entre los fotogramas con "," o ".".

Una vez rotoscopiados todos los fotogramas necesarios, se hace una limpieza de los esbozos en una capa superior.

Cómo importar un gráfico virtual en Adobe Animate

Adobe Animate trabaja principalmente con gráficos vectoriales, por lo tanto podemos importarlos dentro del programa y editarlos como si se trataran de un relleno. Si queremos, podemos convertir una fotografía o un dibujo usando Inkscape para importarlo posteriormente.

Para importarlos se hace como un archivo cualquiera, podemos ir a "Archivo > Importar" o arrastrar el gráfico hasta la biblioteca.

Al importarlo nos dará a elegir entre varias opciones sobre la distribución de los trazados. Si se trata de un simple "line art" es recomendable la primera opción.

Si hacemos clic en el gráfico varias veces podremos ver que Animate lo ha ordenado en grupos y objetos. Para convertirlo en una simple forma y poder editarlo hacemos clic derecho en el gráfico y le damos a "Separar", repetimos eso dos veces más.

Si arrastramos el cursor sobre el borde del trazado podemos comprobar que se comporta como una forma cualquiera.

Cómo crear fácilmente una fuente de texto propia

Para crear una fuente de texto con nuestras propias letras una página recomendable es MyScriptFont.

El funcionamiento de la página es muy sencillo. Se descarga la plantilla en formato PDF o PNG y se imprime o se abre con un editor de imágenes.

Una vez tengamos la plantilla impresa o abierta en un editor de imágenes escribiremos en cada casilla su carácter correspondiente (no es necesario cubrirlos todos) respetando los márgenes y preferiblemente con un trazo negro y medianamente grueso.

Cuando esté lista se guarda la imagen o se escanea con una resolución de entre 300 y 600 dpi y se sube a la página examinando la imagen.

En el apartado "Name your font:" escribimos el nombre que queramos que tenga la fuente.

Para generar la fuente le damos a "Start" y la página vectorizará y organizara todos los caracteres en un archivo TTF que podremos instalar.

Para comprobar que nuestra fuente funciona basta con ir a un editor de texto, buscarla, seleccionarla y probar a escribir algo con ella.

Cómo vectorizar un mapa de bits con Inkscape

La diferencia entre un mapa de bits y un gráfico vectorial es que el mapa de bits está formado por un conjunto de píxeles mientras que el gráfico vectorial está formado por formas geométricas definidas por ciertas instrucciones. Con Inkscape se pueden convertir imágenes de mapa de bits en gráficos vectoriales con distintos ajustes.

Una vez que se tenga la imagen en un documento de Inkscape se va a Trayecto > Vectorizar mapa de bits y se abrirá esta ventana.

 
En el caso de que lo que queramos sea obtener un gráfico vectorial con diferentes colores seleccionamos "Colores" y en el apartado "Pasadas" seleccionamos el numero de colores que queramos. Una vez ajustado se le da a "Aceptar" y nos generará el mapa vectorial

Este es el resultado

Otro caso distinto es si tenemos por ejemplo un escaneo de un dibujo que queremos pasar a trazos vectoriales.

En este caso se selecciona "Corte de luminosidad" y se ajusta el "Umbral" hasta encontrar uno que se adecue a nuestras necesidades.

  

Este es el resultado

Herramienta Cámara | Adobe Animate CC (Flash)

Anteriormente, si se quería hacer un efecto de movimiento de cámara en flash o en las primeras versiones de animate se tenia que recurrir a mover todos los símbolos del documento a la vez o utilizar un script. Pero ahora tenemos la herramienta "Cámara" que nos permite hacer movimientos, zooms y giros de la pantalla fácilmente.

Para aplicar una cámara a la linea de tiempo se selecciona la herramienta "Cámara" y automáticamente se añadirá una nueva capa a la linea de tiempo que contendrá la cámara.

 Mientras tengamos esa capa seleccionada aparecerá en la parte inferior del escenario un deslizable junto a unos botones.

 Con ese botón seleccionado el deslizable ajustará el zoom de la cámara.

  Con ese botón seleccionado el deslizable ajustará la rotación de la cámara.

La cámara funciona de forma similar a los símbolos, ya que se le puede poner interpolaciones de movimiento y algunos efectos de color.

Animación con Adobe Animate | Prinicipios adicionales de la animación | Smears

Además de los 12 principios de la animación originales existén algunos más que se han ido desarrollando con los años, en este caso comentaremos el "smear".

En la animación 2D se conoce como smear a un tipo especial de interpolación. En ellos se presenta una gran deformación del objeto (estirándolo o duplicándolo), pero al tener una duración muy corta no se llegan a apreciar directamente. El efecto es similar al desenfoque entre los fotogramas que graba una cámara de vídeo con poca velocidad de obturación (motion blur).

"Smear" en la vida real (motion blur). Tomado de Wikipedia.

Con este principio evitamos hacer varios fotogramas con la interpolación exacta entre los fotogramas, lo que nos puede ahorrar mucho tiempo. Por esa razón se suele incluir esté principio dentro de la animación limitada, sin embargo, no es extraño encontrarla dentro de animaciones completas.

Existen dos tipos básicos de smears:

Smear de estiramiento

Su realización depende mucho de la animación, pero básicamente se trata de activar el papel cebolla y entre el fotograma inicial y final hacer un dibujo que, en lugar de una posición intermedia, sea un alargamiento entre el dibujo inicial y final. Luego entre el fotograma del smear y los extremos se duplican los extremos y se mueven ligeramente hacia el smear.

Los extremos y el smear estirado

Smear de repetición

Su realización es igual a la del estiramiento, pero en lugar de un estiramiento es una fusión de todos los fotogramas intermedios que debería tener entremedias. Este es un poco más complicado de hacer que el anterior, pero suele dar mejores resultados.

Los extremos y el smear repetido

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Índice

Los 12 principios de animación son unas reglas básicas que se deben de seguir para cear animaciones más realistas. Estos principios ayudan a crear una ilusión de que los personajes y los objetos obedezcan a leyes físicas.

Hemos recogido, explicado, y puesto ejemplos de cada uno de los principios en diferentes entradas del blog:

1. Estirar y encoger
2. Anticipación
3. Puesta en escena
4. Animación directa y pose a pose
5. Acción continuada y superposición
6. Entrada y salida lenta
7. Arcos
8. Acción secundaria
9. Ritmo
10. Exageración
11. Dibujos sólidos
12. Appeal 

Estos principios fueron descritos por los animadores de Disney Ollie Johnston y Frank Thomas en su libro The illusion of life.

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Appeal 12/12

Mal appeal

El principio de appeal (lo que puede ser traducido como algo similar a atractivo o carisma) se refiere al diseño de los personajes, de como este comunica su personalidad, su simpleza y como resultan "interesantes" al espectador.

Aunque se pueda traducir como lo atrictivo o carismático que es un personaje, no tiene porque ser así. Un personaje malvado o un monstruo no suele ser atractivo o carismático, pero sí que pueden tener appeal, refiriendose a lo interesante que sea su diseño y las sensaciones que su apariencia transmita.

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Dibujos sólidos 11/12

Este principio se refiere a que se debe de tener en cuenta que aunque sea una animación en 2D lo que está representando (en la mayoría de los casos) es un mundo tridimensional, por lo que se debe dar a las formas una sensación de profundidad, volumen y peso.

Si se tiene un dibujo sólido, aparte de verse mejor, la animación de las partes será más sencilla, ya que se sabe con mayor precisión que movimiento hará.

Ejemplo

Este efecto se aplica a los personajes. En lugar de dibujarlos pensando en ellos como una figura plana, se deben de dibujar pensando en ellos (y tomando como guía) figuras tridimensionales.

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Exageración 10/12

El principio de exageración se refiere al hacer más brusca una acción para que no parezca estática y aburrida.

La exageración  puede darse en distintos grados, desde hacer que una cara asustada abra mucho la boca hasta hacer que a un personaje le salgan los globos oculares de las órbitas, todo ello depende del estilo de la animación.

No es recomendable abusar de la exageración en una misma escena, ya que puede causar confusión en el espectador, debe existir un equilibrio.

Ejemplo

Un ejemplo de exageración muy reconocible se da en las expresiones faciales de los personajes. Si está contento, en lugar de que tenga una pequeña sonrisa podemos hacer que enseñe todos los dientes y tenga las mejillas muy levantadas. Y si queremos hacer que un personaje esté enfadado, en lugar de hacer que frunza el ceño podemos hacer que las cejas estén muy diagonales, que se hagan arrugas en la frente o incluso dibujarle venas.

También depende mucho del estilo de la animación, pero generalmente esos detalles puedes hacer que la animación sea más atractiva visualmente y divertida de ver.

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Ritmo 9/12

El principio de ritmo (timing en ingles) se refiera a la cantidad de celdas que se usan en una acción y la duración de cada uno. Este principio determina la velocidad de una acción y su fluidez.

Velocidad de una acción

https://www.dropbox.com/s/d47x9v7rfctjvf8/bolasrapidolento.swf La velocidad de una acción es determinada por la cantidad de fotogramas que tiene y la diferencia entre cada uno de ellos

Si una acción está compuesta de pocos fotogramas muy distanciados, esta será rápida y su duración será corta, mientras que si tiene muchos fotogramas poco distanciados, será lenta y de duración larga.

Fluidez de una acción

La fluidez de una acción está determinada por la duración de las celdas. Existen dos tipos de duración principales:

Animación en unos

En este tipo de animación las celdas duran un fotograma. Se ve más fluida que la "en doses" y es mucho más recomendable en acciones rápidas.

Animación en doses

En este tipo de animación las celdas duran dos fotogramas. Se tienen que dibujar menos que la "en unos" y en algunos casos la diferencia de fluidez no se aprecia. También es recomendable usarla en acciones lentas, ya que la "en unos" tiende a hacer que los bordes tiemblen.

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Acción secundaria 8/12

Este principio se refiere a las acciones secundarias, acciones que complementan a la principal y surgen a partir de está. Sirven como apoyo de la acción principal, pero se debe evitar que éstas la eclipsen, desviando de ella la atención.

En los personajes, las acciones secundarias pueden ser por ejemplo mover las manos (acción secundaria) mientras habla (acción principal) o rascarse la cabeza (acción secundaria) mientras camina (acción principal).

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Arcos 7/12

Este principio se refiere a que la mayoría de los movimientos tienen una trayectoria arqueada y con curvas en lugar de angulares y lineales. Si no se aplica este principio, especialmente en los movimientos de los personajes, las acciones tienden a verse poco naturales. Además, cuando en un movimiento se gira un objeto, interpolarlo de forma lineal sin arquearlo hace que sea más corto en los fotogramas intermedios.

No se aplica a movimientos muy fuertes o a algunos mecanismos, ya que su trayectoria suele ser recta o con un arco inapreciable.

Ejemplo

Para que realizar los arcos es recomendable utilizar guías como arcos o circunferencias y hacer los movimientos siguiéndolas

La interpolación de esos fotogramas es mejor hacerla sobre una guía curva.

 El principio en acción

Animación sin arco

Animación con arco

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Entrada lenta y salida lenta 6/12

Este principio se refiere a la aceleración y la desaceleración de los objetos al moverse, los cuales se mueven más despacio al empezar a moverse y antes de frenar que en el tramo intermedio. Para ello se crean más interpolaciones en los fotogramas de los extremos, así al tener menor distancia entre uno y otro se reduce la velocidad en esos puntos. Sin este principio muchos movimientos tienen a parecer "mecánicos", ya que su velocidad es constante.

En algunos casos no se puede aplicar este principio o parte de él, por ejemplo, no tendría sentido que una bala saliese lenta de un arma y fuera cogiendo velocidad, ni tampoco que una pelota que se lanza, antes de chocar con una pared empiece a frenar.

Ejemplo

Este efecto puede representarse fácilmente con un péndulo.

Al comenzar a a bajar y antes de llegar hasta arriba
hay menos espacio entre cada fotograma (menor velocidad)
y en el tramo intermedio los fotogramas están más
distanciados (mayor velocidad)

 El principio en acción

Animación sin entrada y salida lenta

Animación con entrada y salida lenta

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Acción continuada y superposición 5/12

Este principio se refiere a como los objetos unidos a otros se mueven con cierto retraso respecto al objeto principal. Aplicando este principio, las partes superpuestas de un objeto no se detendrán a la vez que él, continuarán moviéndose después de que este se pare.

A la hora de animar, se suele hacer primero el personaje o el objeto principal con animación pose a pose, una vez hecho se hace encima el objeto superpuesto (pelo, capas, antenas, etc.) unido a él con animación directa y se animan unos fotogramas extra después de que el objeto principal se detenga.

Los objetos superpuestos tomarán la dirección que tuvo anteriormente el objeto principal.

Cuando el objeto superpuesto es lacio (por ejemplo el pelo) o está dividido en segmentos (por ejemplo un brazo), la parte más cercana al objeto principal se moverá con menos diferencia respecto a la base, mientras que la parte más alejada lo hará con mayor libertad.

Ejemplo

Este principio suele usarse mucho en determinadas partes de los personajes como el pelo o la ropa. Si no se usa este principio, parece que son rígidas o están pegadas al cuerpo.

El principio en acción

Animación sin acción continuada y superposición

Animación con acción continuada y superposición

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Animación directa y pose a pose 4/12

Este principio se refiere a dos técnicas de animación, Animación directa y pose a pose

Animación pose a pose

En esta técnica, se dibujan primero las poses principales, luego se dibujan entre ellas las secundarias y luego las intermedias entre las secundarias, así hasta que se cubran todos los fotogramas planificados.

Lo bueno de este sistema es que da mucho control sobre las acciones de los personajes, mientras que en la animación directa es bastante impredecible y puede tender a aumentar o disminuir el tamaño de los personajes a lo largo de la acción.

También es mucho más fácil ver y corregir los errores en la animación pose a pose que en la directa.

Animación directa

En esta técnica se van dibujando las poses una tras otra.

Este sistema no se suele usar en personajes ya que es muy impredecible, pero es muy útil en efectos como fuego, fluidos, explosiones, etc. y en el principio de acción superpuesta.

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Puesta en escena 3/12

El principio de puesta en escena (staging en inglés) es muy amplio, pero básicamente se refiere a como debe ser la disposición de los personajes y los objetos en una animación para que el espectador pueda entender bien las acciones.

Un aspecto importante de una buena puesta en escena es que las acciones deben de transcurrir en orden y tener algo de tiempo entre ellas. Si durante la acción principal hay otras acciones secundarias, estas pueden confundir al espectador y hacer que no se fije en la principal. También, el tener espacio entre cada acción, da tiempo al espectador para entenderlas.

 

Cámara

La cámara tiene mucha importancia dentro de este principio y se deben de seguir algunas normas para conseguir una buena puesta en escena. En estos ejemplos, la acción principal sería un personaje caminando

Puede variar según la necesidad, pero normalmente se no se debe hacer un zoom muy alejado de donde esta ocurriendo la acción.

Tampoco se debe hacer que la acción principal transcurra en el borde de la escena, a no ser que la acción esté dirigida hacia el lado contrario.

 

En esta situación una buena puesta en escena sería hacer un zoom en el personaje, pero no demasiado cerca para dejar que se vea el escenario y situarlo en el centro de la escena.

Apariencia

Otro factor importante de la puesta en escena es la apariencia de las acciones o de los personajes u objetos. 

Por ejemplo, si un personaje camina contento es mejor hacer que vaya caminando de forma alegre o con saltitos en lugar de hacer simplemente que sonría, ya que se transmite mejor la idea de que el personaje está contento. Y si un personaje es rico, es mejor hacer que vista elegante y que esté bien peinado, ya que así se dará a entender mejor que tiene mucho dinero.

Animación con Adobe Animate | 12 principios de la animación | Anticipación 2/12

El segundo principio es la anticipación. Se refiere a cuando un personaje, antes de realizar la acción principal, se mueve ligeramente en la dirección opuesta. Esto añade más fuerza y credibilidad a la acción principal al tener un impulso inicial y hace que el observador se prepare para la acción principal. Para acciónes complejas se pueden realizar anticipaciones de las anticipaciones

Ejemplo

Una forma facil de explicar este principio es el de un personaje dando un puñetazo.

Se hace la pose inicial

Se hace la pose final

Entre la inicial y la final, se hace la
pose en la que el personaje se anticipa

Se hacen los fotogramas intermedios

 El principio en acción

Animación sin anticipación

Animación con anticipación